READER: NOISE IS A QUEER SPACE
29.07.2025
Luxa M. Schüttler, Håkon Stene, Queers & Allies: Noise is a Queer Space (2025)
Noise is a Queer Space ist eine installative Komposition, die bei den Darmstädter Ferienkursen am 29. Juli 2025 uraufgeführt wird. Sie besteht aus einer raumgreifenden Struktur von etwa 20 Snare Drums. Weitere 30–40 Snare-Sounds werden als Samples hinzugefügt, teilweise als Sound-Beiträge von einer Reihe von Queers & Allies. Unter Einbeziehung von Live-Elektronik erschafft Håkon Stene in diesem Setup eine rhythmisch dichte, intensive Geräuschkulisse. Die Dauer der Komposition beträgt etwa eine Stunde und ist modular aufgebaut. Die endgültige Version wird während der Proben ausgearbeitet.
Ein zentraler Aspekt von Noise is a Queer Space ist die Einbeziehung von rund 50 Gästen aus der LGBTQIA+ Community. Damit wollen wir nicht nur das Prinzip der Autorenschaft unterlaufen. Es geht vor allem um die Sichtbarkeit von queeren Identitäten in der immer noch recht normativen Realität der zeitgenössischen Musik. Vielleicht wird es ja so etwas wie ein queeres Gruppen-Selfie im Darmstädter Konzertprogramm.
Eloain Lovis Hübner
Eloain Lovis Hübner ist ein:e nicht-binäre:r deutsche:r Komponist:in mit einem besonderen Interesse an experimenteller Klangforschung in der analogen Welt, räumlichen und transdisziplinären Formaten, Kollaborativität und Verbindungen zwischen Musikpraxis und sozialen, natürlichen, technischen, urbanen, häuslichen und medialen Umgebungen. Viele ihrer Arbeiten sind im Bereich der künstlerischen Forschung angesiedelt oder beziehen Einflüsse aus Soziologie und Queer Studies mit ein.
SOUND-BEITRAG
Nuvolascura Now It’s Clear: https://nuvolascura.bandcamp.com/track/now-its-clear (der gesamte Song, aber der beste Teil ist ab 0:42
Ich habe in den letzten Jahren viele Nischenbands im Bereich Screamo und Hardcore entdeckt, und ich erinnere mich an viele Abende und Nächte, in denen ich spät nach Hause kam und diese Musik über Kopfhörer mir die Kraft und das Selbstvertrauen gab, aufrecht und entschlossen durch Berlin zu gehen. Auf Reisen gibt mir diese Musik oft Durchhaltevermögen und Ausdauer, und ich glaube, dass sie auch mein eigenes Komponieren auf verschiedene subversive Arten beeinflusst hat.
Ricardo Eizirik
Ricardo Eizirik (1985, Ribeirão Preto, BR) alias auto_timer ist ein brasilianischer Komponist und DJ. Seine künstlerische Praxis bewegt sich zwischen zeitgenössischer Musik, Clubkultur und Performancekunst. Als Komponist erforscht er Themen wie Körperwahrnehmung, Mechanisierung, Kolonialgeschichte und kulturelles Gedächtnis – oft unter Verwendung von Fundstücken, Geräuschen und fragmentierten Gesten.
SOUND-BEITRAG
Brasilianischer Funk
Kari Watson
Kari Watson (they/them) ist ein:e in Chicago ansässige:r Komponist:in, Performer:in und Klangkünstler:in, die zwischen den Medien der zeitgenössischen Konzertmusik, der elektroakustischen Musik, der Live-Performance und der interaktiven Installationsarbeit tätig sind. In ihrer kreativen und wissenschaftlichen Arbeit erforschen sie eine Reihe von musikalisch-theoretischen Themen wie Körperlichkeit, Einstimmung und Verkörperung, wobei sie häufig Elektronik als Vermittler/Erweiterung des menschlichen Körpers einsetzen. Jüngste Stücke spielen auch mit genreübergreifender und unheimlicher Klangkunst und stellen akustische und elektronische Klangquellen einander gegenüber.
KLANG-BEITRAG
Die Snare-Sounds von SOPHIE sind für mich besonders prägend und attraktiv. Ich liebe vor allem die Snare-Sounds in Faceshopping und Ponyboy von ihrem Album Oil of Every Pearl’s Un-Insides.
Ich erinnere mich noch genau, wie ich "Faceshopping" im Chicagoer Club Berlin hörte, der jetzt geschlossen ist :(, aber ein fester Bestandteil des Chicagoer queeren Nachtlebens war. Alle flippten total aus und tanzten wie wild. Es war direkt nach SOPHIEs Tod, also war es ein riesiger kathartischer Moment, in dem die Leute lachten, tanzten und weinten, alle zusammen. Es war die gemeinschaftlichste Erfahrung, die ich je mit Fremden gemacht habe, ein Raum voller queerer Menschen, die alle zusammen tanzten und die Musik spürten. Es war auch ein Moment, in dem die Schwere von SOPHIEs Verlust spürbar war. Sie war diese riesige vereinende Kraft, die auch die Speerspitze dieses ganzen neuen Genres war, eines von und für queere Menschen, das Merkmale des Drag wie Künstlichkeit und Übertreibung zum Klingen brachte und mit dem unheimlichen Sound spielte, um ein neues, glänzendes und luftdichtes Genre zu schaffen.
Sara Glojnarić
Sara Glojnarić ist eine kroatische Komponistin, die in Leipzig lebt. In ihrer Arbeit erforscht sie die Popkultur – ihre Ästhetik, ihre soziopolitischen Auswirkungen, ihre Nostalgie und ihr kulturelles Gedächtnis – in Form von Opern, Orchesterwerken, Kammermusik und Videos. Sara ist auch Mentorin für Komposition mit Schwerpunkt auf Kulturtheorie, Übersetzung, Linguistik und queeren/feministischen Perspektiven.
SOUND-BEITRAG
Ich bin ein großer Fan des klassischen 80er-Jahre-Snare-Drum-Sounds mit tonnenweise Gated Reverb. Er bringt mich praktisch jedes Mal in gute Stimmung, wenn ich ihn höre. Er hat etwas zutiefst Nostalgisches an sich, ohne kitschig zu sein, und er gibt mir das Gefühl, dass alles möglich ist. Wenn ich an diesen speziellen Snare-Sound denke, denke ich an Dancing in the Dark von Bruce Springsteen oder Heaven Is A Place On Earth von Belina Carlisle. Davon abgesehen bin ich mit Grunge aufgewachsen, also mit einer eher organisch klingenden 90er-Jahre-Grunge-Snare wie Nothingman von Pearl Jam oder Would von Alice in Chains.
Im Falle von „Heaven Is A Place On Earth“ von Belinda Carlisle handelt es sich um ein Lied, das mir erst etwas später im Leben begegnet ist – ich kannte das Lied natürlich, aber es hat mich anders ‚getroffen‘, nachdem ich eine Folge von Black Mirror mit dem Titel „San Junipero“ gesehen hatte, die wahrscheinlich die einzige oder zumindest eine der wenigen ist, die nicht furchtbar deprimierend endet. Außerdem handelt es sich zufällig um eine queere Liebesgeschichte. Ich erinnere mich, dass ich beim Anschauen immer erwartet habe, dass einer von ihnen stirbt oder etwas Schreckliches passiert, weil Schwule in dieser Art von Serien immer sterben. Aber niemand stirbt (zumindest nicht in der virtuellen Welt), und sie leben glücklich bis ans Ende ihrer Tage! „Heaven Is a Place on Earth“ ist der Soundtrack dazu. Es ist auch eine Folge, die ich mit meiner Partnerin zusammen gesehen habe, bevor wir zusammen waren, also erinnert sie mich an sie und die Süße und Intensität junger Liebe.
Lucia Kilger
Das Schaffen von Lucia Kilger ist durch eine eigenwillige Hybridität zwischen instrumentalen, intermedialen und performativen Ausdrucksformen gekennzeichnet. Ihre Arbeiten umfassen instrumental-elektronische, musiktheatralische, installative, interaktive Kompositionen und Videowalks, die analoge und digitale Welten miteinander verweben. Seit 2023 ist sie Professorin für Komposition und Sounddesign für digitale Medien an der HfM Detmold/Kreativinstitut OWL.
Chaya Czernowin
Die Musik von Chaya Czernowin wurde weltweit von den besten Orchestern und Interpreten neuer Musik aufgeführt. Sie unterrichtet Komposition an der Harvard University. Czernowins Schaffen umfasst Kammer- und Orchestermusik, mit und ohne Elektronik. Charakteristisch für ihre Arbeit sind die Verwendung von Metaphern als Mittel, um eine unbekannte Klangwelt zu erzeugen und zu analysieren, die Verwendung von Geräuschen und physikalischen Parametern wie Gewicht, Textur (wie Glätte oder Rauheit, Helligkeit oder Dunkelheit), eine Untersuchung des Umgangs mit Zeit und die Verschiebung von Maßstab und Perspektive. Diese Arbeits- und Denkweisen verbinden ihre Arbeit mit multisensorischen Inhalten und streben nach einem klanglichen Ausdruck, der das Unterbewusstsein einschließt und über Stil, Konventionen oder Rationalität hinausgeht.
Jennifer Walshe
„Die originellste kompositorische Stimme, die Irland in den letzten 20 Jahren hervorgebracht hat“ (The Irish Times) und das „wilde Mädchen von Darmstadt“ (Frankfurter Rundschau), die Komponistin und Performerin Jennifer Walshe wurde in Dublin, Irland, geboren. Ihre Musik wurde in der ganzen Welt aufgeführt. Walshe hat ausgiebig mit KI gearbeitet. ULTRACHUNK, das 2018 in Zusammenarbeit mit Memo Akten entstand, enthält eine KI-generierte Version von Walshe. A Late Anthology of Early Music Vol. 1: Ancient to Renaissance, ihr drittes Soloalbum, das 2020 bei Tetbind erscheint, nutzt KI, um kanonische Werke der frühen westlichen Musikgeschichte neu zu bearbeiten. Walshe ist derzeit Professorin für Komposition an der University of Oxford.
Laure M. Hiendl
Laure M. Hiendl (*1986) ist ein in Wien lebender Komponist, der sich in seiner Arbeit mit den ästhetischen Auswirkungen des zirkulationsgetriebenen Kapitalismus – Digitalität, Beschleunigung und Entmediatisierung – auf die zeitgenössische Kunstmusik beschäftigt. Im Zentrum seines Ansatzes steht die Verwendung von Partitur-Sampling, um intertextuelle Konstellationen aus digitalen Archiven zu schaffen. Beeinflusst von Lauren Berlants Begriff des „animierten Stilllebens“, reflektiert Hiendl über den frenetischen Stillstand der heutigen Medienlandschaft. Im Jahr 2022 war er Mitbegründer des Festivals Musikinstallationen Nürnberg, das sich mit performativer Raummusik befasst. Er ist Universitätsprofessor und Leiter der Abteilung für Komposition und Musiktheorie an der Universität Mozarteum Salzburg.
Stellan Veloce
Stellan Veloce ist ein:e in Berlin lebende:r sardische:r Cellist:in und Komponist:in. Ihre Musik konzentriert sich auf Klangforschung, Iteration und Modulationen von Klangdichten und verbindet Komposition mit Improvisation und Bandspiel. Neben ihren Live-Auftritten komponieren sie Musik für Ensembles und Tanzperformances, wobei sie kollaborative Praktiken bevorzugen. Sie arbeiten regelmäßig mit der Choreografin Sheena McGrandles, dem Komponisten Neo Hülcker und der Filmemacherin Silvia Maggi zusammen und sind gelegentlich im Bereich der Popmusik tätig (u.a. mit der Pop-Ikone Peaches).
SOUND-BEITRAG
sonic youth, the cure, karate
Neo Hülcker
Neo Hülcker ist ein:e Komponist:in und Performer:in. Ihre Kompositionen entstehen als Situationen, Performance-Installationen, Aktionen und Interventionen und beschäftigen sich mit digitaler Subkultur (wie ASMR), Kindheit, Mensch-Tier-Beziehungen, queerer Praxis und kulturellem Hacking. Sie sind Teil des Y-E-S-Kollektivs, das Musik veröffentlicht, die sich mit Performativität, Zeitlichkeit, Sound als physische Erfahrung und dem kulturellen Rahmen von Konzerten beschäftigt (y-e-s.org).
KLANGBEITRAG
- https://www.youtube.com/watch?v=PVTXrcDIIms
- https://www.youtube.com/watch?v=0aa7FnyXcm4
Matthias Kaul war mir über viele Jahre ein guter Freund und Mitarbeiter. Sein Tod im Jahr 2020 war ein Schock. Wenn ich mir diese Videos von Matthias anschaue, wie er auf seine einzigartige Art und Weise auftritt, werden so viele Erinnerungen wach. Zum Beispiel, wie wir in genau diesem Raum standen und versucht haben, Wärmflaschen aufzublasen. Ich habe seine Art, mit Materialien zu experimentieren, seinen Humor und seine Fähigkeit, so genau zuzuhören, immer geliebt. Ich fühle mich ihm immer noch nahe und weiß, in welchen Situationen er lachen würde und was er sagen würde. Es fühlt sich ein bisschen so an, als würden wir immer noch miteinander reden.
Timothy McCormack
Timothy (Ti) McCormack schreibt haptische, zähflüssige Musik, die die taktile, physische Beziehung zwischen Interpret:innen und ihren Instrumenten hörbar macht. Manchmal ekstatisch, manchmal hermetisch, knüpft ihre Musik eine Intimität zwischen Ton und Geräusch, um seltsam berührende klangliche Ökologien zu schaffen, die die Wahrnehmung der Zeit verändern. Sie beschäftigen sich auch mit zeitgenössischer queerer Ästhetik: hämale Ahnen, unheilbare Krankheiten und ihre Geschichten, Trauer, Zuhören und die Erotik der Form.
KLANGBEITRAG
leises, anhaltendes Geräusch einer kleinen Trommel mit eingeschalteter Snare: anhaltende Membranvibration durch Reibung oder Vibration
Es ist einfach eine klangliche Situation, die ich mag: Ton, umhüllt von sanftem Rauschen. Ich schätze, das Subgenre wäre „Noise“, aber eher in der Art von "Grouper" / „My Bloody Valentine“, was Noise angeht. Keiner von beiden ist queer (ich denke, Grouper könnte es sein...), aber ich bin immer wieder überrascht, dass es nicht mehr queere Pop-Künstler gibt (okay, Grouper und MBV sind nicht „Pop“, aber im Vergleich zu Neue Musik...), die nicht mehr Gebrauch von Noise machen, weil ich finde, dass Geräusch unglaublich queer ist in seiner Kraft, Verletzlichkeit zu verhüllen, zu verbergen, aber auch zu offenbaren.
Sarah Saviet
Sarah Saviet ist eine in Berlin ansässige Geigerin, die sich der Aufführung zeitgenössischer Musik widmet. Sie tritt als Solistin und Kammermusikerin auf und ist Teil des Saviet/Houston Duos und des Ensemble mosaik.
KLANGBEITRAG
SOPHIE’s Ponyboy – etwas schwer zu hören, kommt aber direkt vor dem Beat.
Ich hörte SOPHIE zum ersten Mal, nachdem ich bei der Zeremonie zur Gründung einer queeren Familie eines Freundes etwas von ihrer Musik gehört hatte. Ihre Tracks haben mich durch eine intensive Zeit in meinem Leben begleitet - kraftvoll und schön.
Lucien Danzeisen
Lucien Danzeisen (*1989 in der Schweiz) ist Komponist, Improvisator und Künstler. Ihre Kompositionen reichen von Solostücken über diverse Ensemblekonstellationen bis hin zu Orchesterwerken, die sowohl rein akustische als auch elektroakustische und elektronische Werke beinhalten. Lucien Danzeisen ist an verschiedenen freien Projekten beteiligt. Mit Lennart Melzer schufen sie die GPS-Klanginstallationen FELD_ in Berlin und Interferenz auf dem Hasliberg (CH). Ihre Ästhetik reicht von zart und detailreich bis rau und herb. Differenzen und Heterogenität sind ein wesentlicher Bestandteil ihrer Formensprache. Zeitlich geprägte Medialität ist Teil ihres Ausdrucksspektrums.
Rebecca Lawrence
Rebecca Lawrence lebt in Frankfurt am Main und ist bekannt für ihre kollaborative Arbeit als Kontrabassistin für zeitgenössische und alte Musik in Europa und den USA. Rebecca Lawrence fühlt sich in kreativen kleinen Ensembles am wohlsten. Sie arbeitet leidenschaftlich gerne mit lebenden Komponist:innen zusammen und bietet ein solides Ensemble-Fundament, während sie sich neue Möglichkeiten für den Kontrabass und seine Vorgänger in verschiedenen Kontexten ausdenkt. Sie verbindet ihr Interesse an zeitgenössischer und barocker Musik mit individuellen Projekten, die Improvisation auf alten Instrumenten beinhalten.
